A pasztell festés vagy a pasztell rajzolás a pigmentekkel kezdődik, amelyeket krétával vagy agyaggal összekevernek, és gumiszerkezettel kombinálva elkészítik azt a pasztát, amelyet ekkor megszilárdítanak, és lágy vagy kemény pasztellként, pasztell ceruzákként vagy olajpasztell formájában kapnak.
A pasztell leckék gyakran tárgyalják a médiumot mind a rajz, mind a festészet szempontjából. Használható olyan széles vonások készítésére, amelyek vajasnak és szilárdnak tűnnek, mint az olajfestékek, de felhasználhatók bármilyen rajzkészülékhez hasonló pontos vonalak és jelek létrehozására. A pasztell festés további vonzereje a széles színválasztékban és a keverési képességben rejlik.
A pasztellok egyedi jellegzetessége az, hogy a pasztellok nem keverhetők össze más hordozókkal, például olajokkal, akvarellekkel vagy akrilfestékekkel. A művésznek ki kell választania a kívánt színt és értéket, vagy pedig átfednie kell a pasztell több ütemét, hogy belekeveredjenek a néző szemébe úgy, hogy úgy jelenjenek meg, mintha fizikailag kombináltak volna. A pasztell művésznek széles választékú pasztell botokkal kell rendelkeznie, amelyekkel együtt dolgozhat, és erős színvilággal kell rendelkeznie.
A pasztelljeket eredetileg nagyobb művek tanulmányozására használták, és nem a kész munka befejezésére szolgáltak. De manapság a pasztell elfogadható művészi médiumként elfogadják. A közeg jellege kiváló választást jelent azok számára, akik a hordozhatóságot is támogatják. A pasztell festéshez kevés a beállítás, nincs szükség oldószerekre, és nincs tisztítókefe. Ezért sok pleneres festő dolgozik a pasztellben, és a 19. század számos portristája pasztellben dolgozott a gyors kivitelezés elősegítése érdekében.
Pasztell festőmester: Jean Francois Millet
A mezőgazdasági termelők családjában született Jean-François Millet (1814-1875) francia festő leginkább a parasztság mindennapi életének festészetével foglalkozott. Korai munkája portrékból és lelkipásztori jelenetekből állt, de a legismertebb a Gleaners festmény.
A festmény két nőt ábrázol, amelyek betakarítják a betakarítás maradványait, alacsonyan állva, hogy oly keveset gyűjtsenek. A betakarításból hátralévő részek felvétele a társadalom egyik legalacsonyabb állása volt, ám Millet felajánlotta ezeknek a nőknek a kép hősies fókuszát; A lámpa megvilágítja a nők vállát munka közben. Miközben azt kritizálták, hogy munkájában bemutatta a szocialista hajlamait, festményei évről évre jelentek meg a Párizsi Szalonban.
Ahogy népszerűsége az 1860-as években növekedett, Millet folyamatosan kapott jutalékokat, és 1865-ben a mecénás megkezdte a pasztell rajzok megbízását. 1865-1869 között szinte kizárólag pasztell festékkel készített olyan gyűjtemény számára, amely végül 90 alkotást tartalmaz. Ezzel a kollekcióval Millett feltárta a pasztell festmény lehetőségeit és korlátait. "Ő volt az elsők között, akik valóban rajzoltak a közeggel, és törött színvonásokat használtak, ahelyett, hogy a színeket alaposan keverék volna, ahogyan sok korai pasztelllista készítette" - mondja Flattmann. Későbbi képek közül sok tájkép, az emberi alak teljesen hiányzik. Az öregedéssel a művész inkább az egyszerűbb, közvetlenebb folyamatokat, például a grafit vagy pasztell felhasználását részesítette előnyben a festészet helyett. A paraszti élet sok festményének nehéz, sötét színezése helyett Millet gyakran engedte, hogy a színezett papír megjelenjen, és színét óvatosan használja pasztelljeiben, előadva a rajzolását.
A művész tárgya ma inspirálhat olyan művészeket, akik vonzhatók olyan témákhoz, amelyeket ellentmondásosnak vagy érdektelennek tekintnek. A pasztell mint rajzolóeszköz használata és a pasztell munkájának nagy részében nyilvánvaló színhúzások nem csak nagyobb figyelmet fordítanak tárgyára, hanem azt is megmutatják, hogy a művésznek sokféle lehetősége van a pasztellmunkában való munka során.
Forrás: Pasztell Masters, Naomi Ekperigin, az American Artist magazin, 2008.
Váltás az olajokról a pasztellfestményekre
David Stout, a művész számára elõírt korlátozott idõ maximalizálása érdekében úgy döntött, hogy olajról pasztellre vált. A színek tisztaságának élvezetén túl a művész elismeri, hogy ezzel a közeggel kevés a felszereltség és nincs száradási idő, így viszonylag gyorsan elkaphat valamit. Mivel inkább festésével tölti az idejét, mint új termékek keresésekor, Stout korlátozott számú pasztellgel és csak három márkával dolgozik: Rembrandt, Sennelier és Schmincke. Noha elismeri, hogy stúdiójában „pasztell hodgepodge” van, meleg és hűvös színekre szétválasztva, a művész úgy érezte, hogy felveszi a megfelelő színű fél vagy negyed botot. „Gyorsan dolgozom, és nem gondolok túl sokat” - magyarázza a művész. "Érzem a színt - tudom, mit akarok, és megtalálom."
Stout pasztellkészlete, amely kültéri festéshez használható, körülbelül 35 pasztellre korlátozódik. (Időnként pasztell ceruzákat használ a finom vonalmunkához.) Soha nem vásárol egy szín teljes értéktartományát, különböző színűre támaszkodva a különböző értékekhez. Az egyik kedvenc színe a Sennelier sötétzöld (158. szám). „Hihetetlen” - lelkesedik. „Fekete helyett használom; lélegzik, benne van élet.”Megjegyzi Schmincke, amely csodálatos fehér képet készít (17001-069D sz. szám), amelyet nagyra becsül a telítettségéért és a fedőképességéért. Hótakarókban szereti használni a Sennelier lila kék (No. 393), amely hatékony a hideg árnyékokhoz, és a Sennelier okker narancssárga (104. szám) tökéletes az Adobe megjelenésének megteremtésére.
Miután különféle kísérletekkel kísérletezett, Stout a Sennelier Pastel Card-on telepedett le. Szereti a felület egységességét, valamint az a tény, hogy ez nagyon megbocsátó, és lehetővé teszi, hogy rétegeket építsen fel, hogy megvilágítsa a fényesség érzetét. Ez elősegíti a finom munkát és a vékony vonalak húzását is. Előnyben részesíti a tónusú kártyákat, a hűvösebb bluesot és a szürkéket a téli darabokra, és a melegebb tónusokat az őszi vagy New Mexico jelenetekre. Rögzíti a kártyát egy savmentes Fome-Cor táblához, savmentes kétoldalas szalaggal, és felállítja a francia festőállványára.
Stout pasztell munkát kezd azzal, hogy fényjelzéseket ad, és elmagyarázza, hogy ebben a szakaszban inkább gondolkodik, mint fest. "Be kell lopakodnia egy pasztell festményre" - mondja Stout. - Világítás. Ha túl gyorsan épít fel, akkor nem tér vissza. Elveszíti a frissességet és a kívánt festőképes minőséget.”Rembrandt fél botjával megégett számmal aztán blokkolja a jelenetet, és a tónusú papírt használja középértékként. (Mivel fényvisszajelzéseket használ, más lágyabb pasztell festékeket is felhasználhat az égetett szám fölött.) Egyszer dolgozott a sötétebb sötéttől a legkönnyebb fényig, de most egy lépésben blokkolja a fény, a középső és a sötét értékeket..
A következő Stout megfesti a kritikus érdeklődési központot, majd dönt arról, hogy mit kell belefoglalni. Szeret mindent lazán tartani, kivéve a fókuszt, így más területek kiegészítik a fő látványosságot. A művész általában három-négy rétegű pasztell anyagot használ, a második réteget finoman fixálószerrel szórva, hogy a pasztellot a földbe nyomja. Mivel a fixáló hajlamos a színek eloszlására, egy festéket csak egyszer szór be. Nem habozik az ujjaival bekeverni - élvezi a közvetlenséget és az irányítást -, és sokkal elkenődik és puhítja az éleket. „Túl sok egymással versengő éles oldal miatt a festmény túlhajszoltnak tűnik” - magyarázza.
Forrás: Linda Price fegyelmezett megközelítése a pasztellhez.
A frusztrációtól a megbocsátásig: az egyik művész pasztell tanulságai
Passzív festményében, amely a fákkal rejtett tóhoz vezet, Marlene Wiedenbaum ragyogó képet mutat egy tisztásról, amelynek gazdag lombkoronaja egy erdő talaját borítja, amely süllyedt a lehullott levelek sűrű szőnyege alatt. Annyira természetes és meggyőző a festmény szűrt napfénye és burkolótere, hogy néhány percet vesz igénybe, hogy felfedezzük az erdőn át vezető utat. Úgy tűnik, hogy a művész elégedett azzal, hogy elfoglalja a világot, ahogy megtalálja, majd rejtett gazdagság és érdekes betekintés céljából bányászja azt. Ezt az érzést a pasztell elsajátításával valósította meg, és több rétegben dolgozta fel, hogy meglepő finomságú és árnyalati színű legyen, miközben felülete tökéletesen tapintható és életben marad.
"Szeretem a pasztell azonnaliságát, színét és megbocsátását - mondja Wiedenbaum -, de leginkább a kezem bevonását szeretem. Sokkal jobban megértem és irányítom az ujjaimat, mint amit valaha is ecsettel készítettem, és a munkával való közvetlen kapcsolat van.”Wiedenbaum néhány évvel ezelőtt váltotta át az olaj pasztell színét. "Csalódott voltam, hogy tisztítanom kellett a keféket, valamint magamat, és minden alkalommal el kellett helyeznem mindent, amikor festeni akartam" - emlékszik vissza. - Idézet volt. Akkoriban nem élveztem a hatalmas tömbök luxusát, és a mű állapota minden egyes alkalommal más, amikor visszatér az olajfestményhez. Egy nagyon jó barátom egy doboz pasztellt hagyott az ebédlőasztalra, és ekkor kezdődött a kapcsolataim a pasztellokkal.”A művész a pasztell hordozhatóságát is élvezi. "Sokkal könnyebb spontán módon becsomagolni a készletemet, hogy a levegőben dolgozzak" - mondja.
A legtöbb pasztell művészhez hasonlóan, Wiedenbaum is szembekerült a médium által felvetett nehézségekkel. "A legnagyobb hátrány a por" - mondja. „Időnként maszkot hordok a stúdióban, de nem tudom, hogy ez mennyiben segít.” A művésznek sikerült ujjágyakat is megtartania a pasztell por egy részét az ujjaitól - apró gumi hüvelyeket, amelyekre fel lehet gördíteni egyes ujjak - amelyek a gyógyszertárakban kaphatók.