A világ legnagyobb rajongója lehetett volna egy női tanuló egy másik művésznél a rokokóban Franciaországban, vagy egy reneszánsz rajzoló, akit láthatatlanná tettek egy hatalmasabb közeli városi állam elismert mesterének tükröződése révén, vagy egy önálló művészi oktató, aki jelenleg dolgozik. Minnesotában.
Minden idők legjobb 10 fiókjának kiválasztása kétes értékű szalon játék. Ehelyett úgy döntöttünk, hogy össze fogják számolni, hogy hányszor hivatkoznak a történeti személyekre vagy reprodukálják őket a Drawing magazin első 10 számában, és megmutathatjuk őket egy átgondolt dolgozó művész és az ország egyik legelismertebb művészeti intézményének képviselője megvilágító megjegyzéseivel.
Az itt bemutatott 10 művész mindegyike gyönyörű szépségű rajzokat kínál; de a célkitűzéseink szempontjából még fontosabb, hogy mindegyik betekintést és tanulságokat kínál, amelyeket bármely előadó felhasználhat. Megvizsgáljuk, miért olyan inspiráló ezen egyének munkája.
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci (1452–1519) volt a művészet első tagadhatatlan szupersztárja, zseni vitathatatlan. De Ephraim Rubenstein, a művész, aki a manhattani New York-i Művészeti Diákok Ligájában tanít, Leonardo iránti csodálatát azzal a ponttal keveri össze, hogy még ez a reneszánsz nagyszerűség sem jelentkezett vákuumban.
"Leonardo annyit kapott Andrea del Verrocchio-tól, aki óriási tanár volt" - mondja Rubenstein. „Mindenki hagyományokból áll; senki sem jön semmiből. Leonardo az sfumato kezdeteit [tanárától] megtanulta többek között.”
Az olaszországi Vinci toszkán városban, Vinci városában született ügyvéd illegitim fia. Leonardo tudós, feltaláló, úttörő az anatómia tanulmányozásában, valamint a The Last Vacsora és Mona Lisa remekművek festője, a prototípusos reneszánsz ember.
Rubenstein vonalait úgy nevezi, mint „mellifluous, finom és kecses. Nem csinál semmit, amely nem rendelkezik a legszebb görbékkel.”De a vázlatfüzetei teszik Leonardo újítóvá.
"Ő volt az első srác, aki beszélt arról, hogy kivett egy notebook-ot az utcára." - magyarázza Rubenstein. "Leonardo szerint közvetlen kapcsolatba kell lépnie az élettel, és meg kell figyelnie a férfiak cselekedeteit."
Erőforrások:
- Leonardo da Vinci mester-előadó: Carmen C. Bambach (Metropolitan Art Museum, New York, New York)
- Leonardo da Vinci: A teljes festmények és rajzok, Frank Zollner és Johannes Nathan készítette (Taschen, Köln, Németország)
Michelangelo Buonarotti
Sixtus-kápolna mennyezete a művészettörténet egyik legismertebb látványossága, ám a rajzok iránt érdeklődők a több mint 90 kréta- és tintaművet, a Michelangelo (1475–1564) munkáira összpontosítják, amelyek ezen és más megbízások előkészítése során készültek.
Egyes művészek párhuzamot húztak az olasz mester munkája és a képregények fantasztikus, izomkötött formái között. De ha az utóbbi 50 évben valami vágyálkozó tervező csodálattal közelítette meg a képregény hullámzó emberi anatómiáját, félelmetesen jött Michelangelo munkájába.
„A festészet, a szobrászat és az építészet mesterképességével egyetlen művész sem - Leonardo esetleges kivételével - technikailag tehetségesebb” - mondta Rhoda Eitel-Porter, a New York-i Morgan Könyvtár rajzosztályának vezetője..
"Az ő alakjai mindig gyakorolják magukat" - jegyzi meg Rubenstein. „Valamiért törekszenek, de kötve vannak. Az izmokat egyidejűleg megfeszítjük, ami anatómiai szempontból lehetetlen, de mélyen költői. Michelangelo az emberi test tájait készítette.”
Az ok logikus: Michelangelo szobrász volt. A tapintható és a látvány közötti távolság lebontásra kerül; a művész három dimenzióban látja és rajzol. „Michelangelo [megértette], hogy egy adott izom tojás jellegű, és [a krétájával] e forma után megy tovább” - mondja Rubenstein, rámutatva, hogy a rajzaiban szereplő jelek egyre inkább a forma finomabb területein fekszenek. oly módon, hogy párhuzamos legyen a vésővonalakkal egy befejezetlen szoboron. A művész egyes helyeken durva nyílásokat helyezte el, másokban körültekintőbb módon határozta meg a kereszteződéseket, és a legfinomabb területeken csiszolt hangot adott.
Michelangelo munkáját két másik vonás jellemzi: szinte teljes odaadása a férfi meztelenségnek és a művészet mindenütt jelenlévő érzékisége. Még a női figurák darabjaiban is a férfiak után készültek, sőt drapériája is érzéki volt.
„Mindent elmondhatott, amit a férfi meztelenül akar mondani” - jegyzi meg Rubenstein. „Semmi más nem zavarta őt - sem a tájak, sem a csendéletek, sem a nők aktái. Építménye kivételével, Michelangelo monolitikusan a férfi meztelenségre összpontosított, s épületeiben még párhuzamokat lehetett hozni a testtel.”
Erőforrások:
- Michelangelo rajzok: Közelebb a mesterhez, készítette: Hugo Chapman (Yale University Press, New Haven, Connecticut)
- Michelangelo tanulságai: Michael Burban (Watson-Guptill kiadványok, New York, New York)
Albrecht Dürer
Albrecht Dürer (1471–1528) vitathatatlanul a legnagyobb nyomdász a történelemben. Több mint 350 metszetet és fametszetet publikált, és legalább 35 olajfestményt készített, több mint 1000 előrajzot és akvarellet generálva a folyamatban.
Dürer számos közismert és ikonikus nyomatot készített, és a nürnbergi művész nagyrabecsüléssel és befolyással bír a rajzolók körében. A formák árnyékos ábrázolása - nem könnyű látvány merev, megbocsáthatatlan gravírozó szerszámmal - az oka annak, hogy sok tervező tanulmányozza és csodálja a munkáját.
„Rajza a nyomdász érzékenységéből fakad” - kommentálja Rubenstein. „Nem tud hangot adni; keltetnie kell. És senki sem marad a képernyőn Dürer kegyetlenségével.
Virtuális volt, de talán nem innovatív. „Azt hiszem, sokat kapott az olaszoktól” - mondja Rubenstein, hivatkozva a művész velencei látogatására, hogy meglátogasson egy barátját, és megvizsgálja az olasz reneszánsz művészetet és ötleteit. De tehetsége nemcsak technikájának végrehajtásában volt. Dürer nagyon sok tartalmat vésett, mint például a lovag, a halál és az ördög - beleértve két fantasztikus mulatságos figurát is, amelyek még nem uralják a kompozíció többi részét -, de a szem könnyen megragadja a fő gondolatot, amikor nem csodálatosan élvezi. renderelt gyökér és kavics.
Fedezze fel a vázlat erejét a vázlatrajz leckék ingyenes e-könyvében. Csak írja be az e-mail címét, hogy élvezze az ilyen művészeti mesterek felfedezéseinek rajzolását
[fw-capture-inline kampány =”RCLP-visszaigazolás-ceruza-vázlat-rajz” köszönet =”Köszönjük a letöltést!” Interest = “Art” offer =”/ wp-content / feltöltések / pdfs / PencilSketchDrawingGheno.pdf”]
"Ön reagál a kép intenzitására és sűrűségére" - állítja Rubenstein. „Dürer [részletesen] ábrázolta a természeti jelenségek bizarrosságát, mindazonáltal képes volt a nagy kompozíciót tisztán és erőteljesen megőrizni mindezek mellett. [Tudta], hogy még a fák ravaszságán belül is egy kicsit hátrálnia kell, hogy a homokóra eljöjjön. Annyira [irányította] - olyan, mint egy zsonglőr, akinek 30 golyója van a levegőben."
Erőforrások:
- Albrecht Dürer teljes metszete, maratása és szárazpontja, Albrecht Dürer készítette (Dover kiadványok, Mineola, New York, New York)
- Albrecht Dürer és öröksége: A reneszánsz művész grafikai alkotása, előadó: Giulia Bartrum (Princeton University Press, Princeton, New Jersey)
Peter Paul Rubens
A sztereotípia szerint a művészek szegény, cseh életmódban élnek, ám Peter Paul Rubens (1577–1640) bizonyíték arra, hogy egyes művészek óriási sikert érnek el. A legtöbb beszámoló szerint Rubens egy tiszteletben tartott, gazdag és boldog művész volt, aki régiségeket gyűjtött, nagy családot nevelkedett és két vagy több békeszerződést kötött, miközben magas szintű diplomata volt. Elfoglalt cselekvési ember volt, és papírját soha nem festették meg könnyedén. - Szinte az összes rajz előzetes tanulmány volt a nagyobb bizottságok számára.
Az ember még inkább elképeszti a Rubens-rajzok magabiztos, gyönyörű vonalait, figyelembe véve azt a tudást, hogy ő a legbiztosabban ezeket a munkadokumentumokat tartja alkalmatlannak a kiállításra. Különlegessé teszi az, hogy „a krétatechnika elsajátítása” - mondta Eitel-Porter. "Csak néhány ütésre volt szüksége, hogy kiváltja nemcsak a figura pózát, hanem az érzelmi állapotát is."
Valóban, a belga bíróság festője hihetetlen lehetőségeket mutatott be rajzaival, egy bombaszámmal. A keze biztos volt. „Rubens természetesen robosztus, magabiztos jeleket és áramló mozdulatokat használt” - mondja Rubenstein, aki különösképpen csodálja a művész három színű krétával készített rajzát. „A vörös kréta gyönyörű, de korlátozott hatótávolsággal rendelkezik - gyakran fekete és fehér krétát szeretne használni, hogy tovább növelje az értéktartomány mindkét végén” - magyarázza Rubenstein. "Olyan, mint a különbség az akkord és az egyik hang között - meghosszabbítva a vörös kréta hatókörét."
Erőforrások:
- Peter Paul Rubens: A rajzok: Anne-Marie S. Logan (A Fővárosi Művészeti Múzeum, New York, New York)
- Peter Paul Rubens: A ragyogás érzése, készítette: Mihail Piotrovsky (Prestel Publishing, München, Németország)
Rembrandt van Rijn
„Leonardo örököse volt abban, hogy mindig a természetből vázlatolt” - mondja Rubenstein Rembrandt-ra (1606–1669) hivatkozva. "Gesztusai annyira igazak és tele voltak élettel."
Ha Rubens volt a hatalom és a királyi udvar festője, Rembrandt az emberiség művésze. Ugyanazzal a vonalképességgel tehetséges, a holland festő és a rajzoló készsége volt nagyon gyorsan rajzolni és magabiztosan hozzátenni olyan egyszerű mosószereket, amelyek hatékonyan megalapozták a sötét-fény mintákat.
A tinta megbocsáthatatlan közege nem akadályozta Rembrandt a pillanat cselekvésének folytatását; felesége köpenyének hátsó része meggyőzően lecsúszik a lépcsőn például a Gyerekhordozó nő lépcsőjén. Az anyák és gyermekek különös érdeklődést mutattak a művész iránt, részben azért, mert még gyermekkorában három gyermeket veszített el; és felesége halála elhomályosította a boldog házasságot.
„A rajzai emberiségét… senki másnak nem érzi magát annyira áthatóan” - jegyzi meg Rubenstein. „Úgy tűnt, tudta, hogy mit érez az anya, mit érez a gyermek [hogy] mi történik a helyszínen. És volt egy spontán, hihetetlen vonala, amely megmutatta valami felépítését, és ennek mégis megvan a saját kalligrafikus értelme.”
Erőforrások:
- Rembrandt utazása: Festő, rajzoló, Etcher, előadó: Clifford S. Ackley (MFA kiadványok, Boston, Massachusetts)
- A rajzok Rembrandt és His School, Vol. Én, Jeroen Giltaij (Thames és Hudson, New York, New York)
- Rembrandt és His School, Vol. II., Jeroen Giltaij (Thames és Hudson, New York, New York)
Charles Le Brun
Charles Le Brun (1619–1690), mind a klasszikus, mind a barokk korszakban, művész volt, aki korán sikerrel járt, és politikai képességeivel rendelkezik, hogy a francia udvarban és az Académie-ben domináns figura maradjon egész élet nagyon későjéig.
Le Brun Vouet hallgatója és Poussin barátja volt, és kompozíciói alapvető, egyszerű tömegekre épültek, mint a klasszicizmusban. És ennek ellenére figurái söpörhethetnek a barokk művészet energiájával, amint azt Sucsi kígyó alakja mutatja Mucius Scaevola előtt Porsenna előtt.
Le Brun bárkinél többet tett annak érdekében, hogy a 17. század három évtizede alatt kialakítsa a homogén francia művészeti stílust. Ezt mind politikával, mind festéssel valósította meg - Le Brun alapította a Francia Római Akadémiát Rómában, és az 1660-as évekre minden jelentős megbízást felvállaltak az átvételre.
Az ebben a részben bemutatott két rajz pontosan szemlélteti, hogy Le Brun stílusa hogyan változott gyakorlatilag az időkkel - mind művészeti, mind anyagi sikerrel. „Az egyik kép az összes forma egyszerű elképzelését mutatja, nagyon kiegyensúlyozott és olyan, mint egy Raphael; a másik pedig olyan erősen küzdő figurát mutat be”- csodálkozik Rubenstein.
„Még annak a holttestnek a feltüntetése nélkül is, amelyet ez a figura emelt, úgy érezzük, mennyi erőfeszítést kell tennie, hogy megtartsa ezt a nehézsúlyt.” Le Brun kezessége a rajzszerkezetekkel legendás volt; az egyik mítosz azt állította, hogy a szobrász fia elkezdett rajzolni a bölcsőben.
Erőforrások:
- Charles Le Brun: Az első festő XIV. Lajos királynak, előadó: Michel Gareau (Harry N. Abrams, New York, New York)
- A szenvedélyek kifejezése: Charles Le Brun konferenciájának eredete és befolyása Jennifer Montagu (Yale University Press, New Haven, Connecticut) által készített konferencia eredete és befolyása: Jennifer Montagu
Edgar Degas
Általános az átalakulás, amikor a rajzoló szűk, részletes formákat húz a lazább, gesztusabb vonalakra, de ezek a példák azt mutatják, hogy ez a fejlődés Hilaire-Germain-Edgar Degas (1834–1917) között különösen természetes.
A szépség mindkét alkotást beépíti, még akkor is, ha egy tipikus néző nem társítja mindkét művet egyetlen művészhez. "Megpróbálta lerajzolni az alakot a korai rajzaiban, " magyarázza Rubenstein, "és a későbbi rajzokban meglazította."
Degas múzeuma volt a balerina, és a tánc mozgása és mozgása szabad, gesztus vázlatokat igényelt. Rubenstein rámutat arra, hogy még gyors vázlatokban is, mint például a táncos tanulmánya a harisnyanadrágban, Degas megmutatja a zeneszerzés zsenialitását - a térd szinte érinti a papír széleit, a táncos végtagjai által kialakított negatív formák pedig erőteljes kialakítást hoznak létre. A spontán kompozíció szépsége elárulja a tanulmány mögött meghúzódó éves tapasztalatokat.
Erőforrások:
- Degas és a tánc, készítette Jill DeVonyar és Richard Kendall (Harry N. Abrams, New York, New York)
- Edgar Degas: Élet és munka: Denys Sutton (Rizzoli Nemzetközi Kiadványok, New York, New York)
Vincent van Gogh
A prototípusos éhező művész mellett Vincent van Gogh (1853-1890) az absztrakt művészet születésének szülésznője volt, amint ezt a vad növényzete is bizonyítja. Festőként híres élénk és merész színéről, de a kompozícióval vállalt kockázatok talán ugyanolyan felelősek a hírnevéért. A fiókok számára van Gogh szintén fontos a jelölése szempontjából.
"Van Gogh hihetetlen szókincset fejlesztett ki a nád tollal" - mondja Rubenstein. „Nyelvet készített, a különféle jelölésekkel: pontok, kötőjelek, fürtök, hosszú sorok és rövid sorok. De mivel ő ilyen ellenőrzés alatt állt, ennek értelme volt. Ritmust készített. A természetnek nincs ezek a jelek.”
A Pollard Birches és a vad növényzet összehasonlítása megmutatja a holland művész növekedését a reprezentációtól a szinte teljesen absztraktig. Az átmenet kisebb mértékben látható a portréban. A Zouave, amelyben az arc nagy részét egyfajta pointillizmus ábrázolja, míg a sajátos vonások, mint például az orr, klasszikus vonalakkal vannak kialakítva. "Nagyon személyes nyelv, amellyel ő jött ki" - jegyzi meg Rubenstein. "De maguk a jelek is elbűvölőek."
Erőforrások:
- Vincent van Gogh: A rajzok, készítette: Colta Ives (A Fővárosi Művészeti Múzeum, New York, New York)
- Van Gogh: fő rajzoló, Sjraar van Heugten (Harry N. Abrams, New York, New York)
Egon Schiele
Az osztrák születésű Egon Schiele (1890–1918) a cseh ruhákba öltözött dandy volt, állítólagos pornográfus, határozott nárcista és a modern kor egyik legprovokatívabb és legkülönlegesebb rajzolója.
"Összehasonlítva például Rembrandttal, nincs sokféle választék" - mondja Rubenstein. „De mindig tudod, hogy valami lélek-e? Hogyan történik ez? Erre érdemes gondolkodni.”
„Az összes túlzás átgondolt” - folytatja Rubenstein. Torzításai a pénzt érintik: egy csípő behúzódása, a dübörgő dagadása, egy vonal, amely egyértelműen hátráltató. A torzulások nagyon pontos anatómiai tereptárgyakon alapulnak. Ez teszi őket olyan zavaróvá. Ez és az a tény, hogy a csontváz gyakran nagyon jelen van."
Schiele-t rosszindulatúnak ítélték az alsó korú lányok egyértelmű rajzaival kapcsolatban, ám erotikus művészete elmulasztása tévedés lehet. Rubenstein rámutat, hogy nem mindenki tudja sikeresen elvégezni az erotikát. Schiele művészete nemcsak tárgyának, hanem a szubjektumok helyzetének a kihívásaira, a feszültséggel remegő vándorló vonalakra és az ő által alkalmazott heves színekre vezet.
„Nézze meg a vadászgomb figuráján áthaladó zöld melletti pirosot” - jegyzi meg Rubenstein. "Valami megmondhatatlanról beszél."
Eitel-Porter egyetért: "A természetellenes színek használata és a gesztusos festék felhordása látható látványos lövésekkel hangsúlyozza az Schiele-t."
Erőforrások:
- Egon Schiele: A teljes művek: Jane Kallir (Harry N. Abrams, New York, New York)
- Egon Schiele: Rajzok és akvarellek: Jane Kallir (Thames & Hudson, New York, New York)
Käthe Kollwitz
Käthe Kollwitz (1867–1945) sok szenvedést látott, és empátiaval ábrázolta, ritkán veszélyeztetett. A férje a berlini szegények orvosa volt, amely valószínűleg szerepet játszott szocialista együttérzésében.
Fia elvesztése az I. világháborúban hosszú depressziót váltott ki. Elvesztette az unokáját a második világháborúban. Ennek eredményeként az elhunyt csecsemők felett síró anyák szívszaggató képei rezonáló akkordra szivárognak.
"És olyan nagyszerű tervező volt" - mondja Rubenstein. „Kollwitz annyit tudott tenni az egyszerű formákkal. Itt lehet néhány bölcs jel, amely hajat jelent; majd aztán - boom, téged szegeztek be a szembe néhány erős vonallal.”
Kollwitz elsősorban grafikus volt, munkáját nagyrészt a fekete-fehér képekre korlátozta. "Merész, grafikus stílusa a hátrányos helyzetű emberek óriási emberi fájdalmát és szenvedését tükrözi" - kommentálja Eitel-Porter. - Ez a tárgyának alapja. A világ, amelyet ábrázol, árnyékban fedi le; csak ritkán vezetnek be színes érintéseket.”
Echoes Rubenstein: „Annak az egyszerűségnek, a megtakarításoknak köszönhetően, hogy nagy együttérzést tanúsított. Hihetetlen emberi nyilatkozatot tehet az égett fa [faszén] papíron.”
Erőforrások:
- Käthe Kollwitz teljes grafikai munkájának katalógusa, készítette: August Klipstein (Oak Knoll Press, Új kastély, Delaware)
- Käthe Kollwitz rajzok: Herbert Bittner (Thomas Yoseloff, New York, New York)
* Bob Bahr cikkcikkei